我们要积极地投入到继承和创新的伟大事业中去，这是一个永恒的主题，解放思想，更新观念，唤醒创新的激情。如果要有激情就必须解放思想，这是对传统的尊敬，不是背叛，否则将会一点作为和出息都没有。
——徐沛东
演讲人:徐沛东
简 介:著名词曲作家，十一届全国政协委员。现任中国音协分党组书记、副主席，中国轻音乐家协会副主席。代表作品有:《我热恋的故乡》、《十五的月亮十六圆》、《篱笆墙的影子》、《苦乐年华》、《亚洲雄风》、《不能这样活》、《命运不是辘轳》、《辣妹子》、《种太阳》、《久别的人》、《爱我中华》、《大地飞歌》、《走向共和》等。
创新必须要有继承
什么是“创新”？我个人认为，创新一定是有继承的意义，创新一定是遵循人类自然的发展规律，生理的、思想的等各方面的要求，如果违背了人类的自然的状态，利用假恶丑进行的所谓创新就不能叫创新。举个例子来说，活跃在当前音乐创作前沿的作曲家们，大都是经过严格的、系统的训练，才一步一步走到现在的。现在有很多年轻的学生不以为然，说:“你们过时了，我们现在弄得都是现代派，想怎么着就怎么着”。我要告诉学生们，你可以进行创新理念的研究和探讨，但是必须把你要学的基础学扎实。你必须知道和声的Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ为什么会这样？为什么只有这样你听着才舒服。你想创新？可以。要从这个基础上不断地发展！其实我们从和声学来讲，最初的三和弦、七和弦、九和弦、十一和弦等等的发展，到后来多调性的发展已经很丰富了，已是打破了和声所有的戒律了，学作曲的都知道。但是如果你前期不好好地接受基础训练，最后你的创作是没有根的，你写的东西肯定就没有“道理”了。所以我告诉学作曲的朋友们，不要去追时髦，追求那些所谓的创新，觉得好像写得越怪、越奇越好。现在在传统音乐领域中确实有一股这样的风潮，我有时候就很着急，因为我们的同学经过多年的高等音乐学院的学习，毕业出来了应该是社会需要的人才，但是现在这种环境下创作出的作品有多少能用呢？我和中央音乐学院的作曲系主任交谈，现在作曲系的“成活率”相当之低，一个班的大概有20几个学生，能出来一两个就算不错了。为什么？当然整体教学水平有待于思考，那么学习方法也是非常重要的。我在中央音乐学院读书时的老师杜鸣心就曾经这样说:“这没法儿教啊！拿着作业我看不懂！写的什么我不知道，这有点像画。钢琴下不去手，不知道弹什么。”我联想到我们中国音协举办的很多比赛，有的选手拿到了谱子，有时候还得跟他们解释，这样的情况，我甚至觉得这已经不是音乐，而是美术了。
继承就是对于前人的优秀文明成果的尊重、敬仰。说实话，我们现在系统的、可追溯的音乐历史才多少年？历史上的那些音乐教育经验、音乐大师的精华，我们现在学都学不完。当然不是说学老师你就必须按照这样的路走，还是要沿着自己的路走。所以在音乐学院训练，第一训练就是要训练基本功，得入门。和声、复调、曲式……你都得搞清楚。我认为更重要的是训练同学们思考问题、解决问题的能力。创新过程是痛苦的，创新的成果是幸福的。没有痛苦就没有幸福。我认为我很多时间并不是用在写作上，而是思考上。怎么样保持一个觉得是自己的一种创造性的状态，拿出一个是自己的语言的东西。我不赞成copy，再说得难听一点我觉得是剽窃。我发现很多学生拿着大师的作品拼凑在一起，甚至把大师的作品倒过来！这不是一种学习的方法。音乐是要从心底流露出来的，因此，你在生活中就得积累，其中就包括民族音乐的积累。
我是这样走上音乐道路的……
我这里不妨还是“现身说法”，拿我自己的学习经历来做例子。我的音乐创作和学习的过程都还是比较顺利的。那时我们还没有像现在的学生这样有这么好的学习条件。1966年正是“文革”的时候，学校不上课了，我就跟着一些大哥哥大姐姐，到宣传队宣传毛主席思想。那时我对音乐完全是自发的热爱，开始学习时没有老师教。所以我什么都学，二胡、竹板，定音鼓也打过，后来开始学习大提琴。当时宣传队有一个拉大提琴的大哥哥下乡了，没有办法，缺一个声部，人家就让我学。可是没人教，怎么学？仗着我年轻时候有点灵气，就让我和大连歌舞团的一个大提琴老师学习。老师在哪里？在牛棚。把他拉出来，告诉我怎么拉这个东西。他说你这样儿不行，得有教材，他就偷偷地把家里的教材借给我。我就拿着自己买的白纸本子，拿上尺子一张张地画上五线谱，一个音符一个音符地抄。我就是这样走上音乐道路的，一走走到了现在。
我确实觉得跟音乐结下了不解之缘。我那时进步得非常快。在学习样板戏时，有个交响乐《沙家浜》的学习班，我是交响乐团《沙家浜》里最小的乐手，放在大提琴声部的最后进行排练。我们乐队虽然说起来是业余的，其实都算准专业——都是各个部队文工团转业的或者是回来的，都是有一定水平的。指挥是沈阳音乐学院的学生，当时排练也都是从简单到难。《沙家浜》第二个乐章《朝霞》很简单，大提琴就是几个长音，几个拨弦。我不知道排练拿这个谱子就要演奏，看他们拉得挺热闹的，我就在旁边偷着看，照着别人做。等到排练到序曲的时候我可以看着谱子拉了，还很带劲儿。后来到了最难的一个乐章《扫荡》，是交响乐大提琴最难的部分时，到最后所有的人拉不下来，我自己却拉下来了，他们就觉得很奇怪。当时的我是不回家的，就住在剧场后台的一个大炕上，天天晚上练，大概也就是几个月的功夫——所以必须要下工夫。
我对音乐有一种热爱、执着，然后就到了军队——福州军区歌舞团。到那儿是首席，因为年纪小才16岁，那时候还很张狂，对老同志也常常不放在眼里，经常跟人家说:“哎，你这个音儿错了啊！”要不就是排练时站起来喊“哎，你拉的那是什么东西？”也因这个原因我入党晚了一年。样板戏中我演过的《红灯记》、《智取威虎山》、《沙家浜》、《杜鹃山》，都是不看谱子的，全本儿的背分谱。搞作曲的人知道这个很难背的，但我背下来了。后来我就发现我对作曲很感兴趣，经常琢磨，觉得很有意思，看看谱子，听听别的声音，我在排练的时候几乎不太听自己的，我都听别人的。在座的肯定有学器乐的，将来你们肯定也要分到各个单位去学做一个好的乐手。当然你要当独奏家是另外一码事儿了，好的乐手在乐队里永远关心的是别人，听的是别人的声音，把自己的声部融入到别人的声部里头。差的乐手啊，闷头自己拉不管别人，越拉越累，越拉不到调上。我做指挥的时候，好乐手你指他，他很兴奋，因为他觉得自己很有表现价值，不好的乐手你看他一眼，他马上就错，这就是我的经验。在乐团里我做首席，有个外号叫二指挥。我们的指挥是一位老革命，非常信任我，每次排练有错音的时候我就皱眉头或者是“嗯”，他就马上停下来问我“怎么回事儿？”我就说“长笛音错了”他就查什么音，真的错了。这样就形成了习惯。
之前都是自学，后来我自己也找了一些教材，当时都还是属于所谓反动的封、资、修的东西，我就偷偷地学。当时虽然在专业的部队文艺团体，没有你们这么好的学习条件，自己学习写一下和声，试着写一些小的作品，配配器，编个小的组曲。后来考中央音乐学院，人家也差点没要我，就是因为作曲没有道道儿。那时候中国音协的副主席吴祖强老师在全院院务会上说了一句话:“这个人乐队经验丰富，谱子写得非常流利。”就这样我被录取了，我到了学院还是班长。
还有积累是非常重要的，你不喜欢民族音乐、不喜欢戏曲音乐，你就没有“粮食”，你的“库”是空的。你光盖房子没有用，你得让自己丰满起来，靠什么？靠平常的积累，这就是要贴近生活。为什么要采风呢？就是要创作者对民族音乐的敬仰，对民族音乐的兴趣，而不是为了完成任务我学段秦腔，学点民歌吧。你要把这种积累融入到你自己的血脉中，那么你再创作的时候就会运用很自如。你要下决心吃点苦积累一点素材，要想办法好好学习，学习的是一种精神。从我自己的创作来看，一定要处理好继承和传统这个关系，一定要踩得实实的，不能还没学会走，就要飞，这样会出问题的。
大师的创新之路是一样的
刚才谈到对于现代派音乐的认识，我不是反对现代派，而是认为音乐一定要跟我们这个时代的文化需求相符合。有一位音乐家，说过一句很著名的话:有一天，当地球毁灭的时候，外星人来到地球看到的第一个就是rd作曲方法。今天所享受的这些科技成果、文化成果，都是前人一代代样传承下来的东西。你可以创新，但是必须要尊重传统，必须要尊重前人辉煌的成果，何况我们在历史的长河中只是一个小的颗粒。所以音乐创作就是要闯出一条你自己的路来，得有这样的精神，但是一定在“地势坤”的基础上。
继承与创新是民族文化的生命之源，继承与创新是文艺大师的成功之路，有很多大师值得我们去学习。在近年热播的电影《梅兰芳》中，有赵季平主席作曲的戏份儿。梅兰芳的成功，不仅仅是演唱上的成功，那是一种艺术上的成功和革命。在他的那个时代，唱得好的人太多了，但是为什么他火了！因为他在继承和创新上有非常独到的思维。他不因循守旧，非常尊重传统，他的唱腔、吐字，包括他的舞蹈、服装、伴奏、起唱腔，都包含着他一系列的创新成果。梅兰芳的成功并不是他一个人的成功，是一群人创新的结晶。京剧本身就是集各地戏剧大成的创新成果，形成一种模式化、程式化之后就很难打破，梅兰芳却在不断地打破，不断地创新，到了新中国成立后还有新的剧目。所以京剧在梅兰芳时代是发展得非常辉煌的。
我们要学习大师的精神，首先要学的是他尊重历史、尊重传统。同时，他自强不息，一定要超越自己的路，这点很多大师都是这么做的。凡是有成就的大师，一定有创新的成果。齐白石怎么样？他画的东西和别人不一样，并不是技术到底有多么的娴熟，关键是在于他的文艺思想、精神。所以大师的创新之路是一样的。
继承和创新是文艺事业的立身之本，文艺创作没有继承和创新就无法立身，文艺创作要反映人民群众的需求，这是当今所说的要反映当代的文艺需求。你要写别人听不懂的、不接受的，这就没有什么意义了。
其实我在创作中有很多感受，如果只是写，就会落自己的俗套，会写着写着就觉得像自己之前的作品。要敢于扔掉自己的过去的东西，这是我的创作原则。我坚持自己创作，到今天，我想我一直在不断坚持。记得有一个叫《东周列国》的电视连续剧还没放完的时候，赵季平同志就打电话给我，他说，“是你写的吧？”我说，“是啊！”他说:“好！”我说“为什么啊？”他说“新！”他觉得有一种创新。当时我很兴奋。虽然这个歌不是很流行，但是在音乐创作上我认为我值得。东周是个什么时代？血腥的时代。“黎明百姓长久，功名利禄短暂”那个词写得是非常有深度，也是非常大胆的。在声乐的演唱上也有难度，一个大跳就八度，前面是一个小二度，这种写法是冒险的，但是有创新的，我想那个时代的音乐应该是像一种“音诗”的感觉。演唱这首歌的歌手叫叶凡，比较可惜，才30多岁就故去了，是我从全国各地找到的这么一个歌手，她唱了很多作品，而且她创作的状态也非常好，我就喜欢这样的歌手，再比如像刘欢那样的歌手，录音的时候，
我不用多说，他就能理解你的要求。
写完这个作品以后不久我写作了《和平年代》中的音乐，之后又创作了《雍正王朝》中的音乐。这个作品对我来说是一个很大的挑战，雍正一般说他是暴君，我们听到的都是对他的负面评价。这个戏把把雍正从历史的角度客观地进行了另一种解释。首先，康熙对汉文化的敬仰和推崇，使得清朝非常稳固。他本身是外族人，但从小学汉文化，尊重传统，尊重历史，尊重文化，这和清朝的辉煌是分不开。所以，雍正在这方面是有创新的。写作这出戏的音乐的时候，我也是经常到剧组去看一看，这部戏的导演和编剧在中国都是一流的，他们激发了我的创作。那么怎么写？写一个什么样的感觉？为此我徘徊了很长时间。突然有一天我想出了一句，就是六度大跳，里面有一种呼唤，一种冲击感，有戏曲的风格。其实我是拽着凤凰尾巴上天的，戏火了，歌儿也火了。我的歌曲并没有和戏贴得非常近，我的歌走的是对历史的一种理解，《得民心者得天下》说的是我们现在的老百姓、我们的党想说的话。所以当时这个戏得到了非常好的社会反响，我在创作这个作品的时候力求掌握这样一个点。歌的长短，是不在于写得多复杂，材料集中，结构精炼。这是我们要学习的，要在学校训练的。
赵季平主席前几年创作的《乔家大院》，应该说对整个影片音乐有一个非常大的提升。他将创新和继承的关系处理得很好，以至于电视剧播出了以后，音乐获得了极大的反响。后来领导找到我们，专门座谈了一下，问能不能做成交响乐。我们知道电视剧音乐和交响音乐是两码事儿，但还是苦思冥想，熬了十个月，把它写出来了，结果非常好！把山西传统的音乐素材进行非常高精深的吸收，使得音乐的含量完全超出了地域的感觉，但同时又非常中国化。我觉得赵季平老师是新中国成立以来，在音乐界处理继承与创新的关系处理得非常好的，值得研究的一个作曲家。他的很多作品语言很简练，但他非常讲究，包括一个长音、一个持续音，他都不随便连用，他一定得把中国人情感的脉络把握得非常准确，这就说明他基本功非常扎实，也就是说他创新得好，是因为继承得好。
我前年写了一部电视连续剧《沙家浜》的主题曲，当时是我的一个好朋友找我，他要投入做制片拍这部戏，让我帮帮忙。他说他从小就有刁德一情结，可《沙家浜》是写阿庆嫂的，写中国共产党地下工作者的，刁德一是配角啊！这怎么写？但是样板戏的人物有个性，唱腔也好。他找了很多人编写这个，什么刁家大院，刁老爷子等。他让我写个主题歌，还要现代派的，他要求把“垒起七星灶，铜壶煮三江……”这几句写进去。我说这怎么写啊？还要很现代，很有时代感？我说那就试试吧。
写词得找阎肃老师，阎肃老师参与了很多样板戏的创作，他对那个时代非常地了解。他说他憋了好多天，憋出那么几句词来，我一看，都在里面了。然后进行了电话沟通，改了几稿，行了！宋祖英演唱这首歌的时候啊，她说:这歌怎么唱啊！没唱过这样的。我跟她说，前半部分你要唱得像通俗歌手一样，这本身就是挑战。后半部分你要唱得像京剧演员一样！我说你要能唱出来，你就创新了！最后人家唱出来了，我觉得还挺满意的。
坚忍不拔，这就是创新的精神
下面再谈一谈关于演唱者在歌曲二度创作上的创新问题。我跟宋祖英合作非常多，对她也是有要求的，要求不断创新。她这种孜孜不倦的追求和创新值得我们好好思考。我们俩第一首合作的作品叫做《巴严格拉》，足足录了三个小时，在中央电视台，那个时候她还没有出名，那是她第一次录音，很紧张，尽管我不太满意，但是也凑合了。但是过了三天，她给我打电话了，她跟我说那个歌她想重录一下。我说为什么啊？她说她觉得她没唱好。我说行，从头再唱。后来这个歌出来了，也被选入了我们现在高等音乐学院的教材。所以你得有创新，要找到自己的不足，要不断否定自己。
我们要积极地投入到继承和创新的伟大事业中去，这是一个永恒的主题，解放思想，更新观念，唤醒创新的激情。如果要有激情就必须解放思想，这是对传统的尊敬，不是背叛，否则将会一点作为和出息都没有。前人的路，大家一定要走，那是站在巨人的肩膀上，我们学习欧洲的文艺复兴，文艺复兴很大程度是创新的，无论是音乐、绘画、文学，各个方面的创新，都和社会的变革有着密切的关系。激发创新的激情能力，博采众长，激发原创的动力。对传统的继承和把握，我觉得博采众长也是非常重要的。说到生活怎么体验，怎么采风？不是让你写农村的作品，你蹲在田头去就是采风或者就是深入生活，就能写出跟农民情感一样的东西，这就是狭隘。你生活在“我们”当中，你要注意捕捉，作为一个创作者，你要是没有这种敏锐的思维是不行的。你要考虑，要思考。有机会下去走一走，不是为了学几首民歌，而是要在交谈中找一种味道，一种氛围，要投入到生活中去体验。
来自于学习，来自于生活，更来自于自觉地创新，这就是创新的真正内涵。必须要进行一种思考和过滤，找到一条你自己走的道路，这是我们需要共同商榷的。不管是从事创作的，还是学习声乐的，都要走出自己的个性。都是一副嗓子，你和别人唱得都一样，这没出息，你要和别人唱得不一样。梅派艺术，或者四大名旦的艺术，唱得再好你也是梅派，你得有自己的东西，你得发展。于魁智，他现在自立门派成功了，是有他自己的艺术思考和造诣在其中的。
要遵循规律，驾驭生活，不能把违反生活的假恶丑拿来创新，那就是不遵循规律。要遵循规律就必须把自己的基本功掌握好。天行健，君子以自强不息，就是要坚忍不拔，这就是创新的精神。我们现在说的“德艺双馨”，这是一个成功的妙招。有很多的艺术家很有造诣的，但是为什么达不到一个高度呢？做艺人也好，做人也好，一定要有德行。我们现在很多成功的艺术家德行都很好，他们有社会责任感，他们尊师重教等等，所以德艺双馨也是我们创新必须要遵循的。
最后，我想结合对一首深受人们喜爱的《梅花引》的分析作为结束。宋祖英演唱这首作品的时候把握住了我写作的昆曲的一些风格，唱得很到位，前半部她是用心在捕捉。梅花的精神也是一种追求精神，也是种创新精神。这个词写得非常美，我也是一直不死心，坚持再创作，下一步我还准备找一个好的通俗歌手再来演绎，也会给我新的感觉。大家听了应该是风格都不一样的。我觉得做一个创作者很难，创新是要付出的，是要冒危险的，但是作为文艺创作必须要创新。若你的创新得到了认可，你将会是愉快的。
本文为作者在西安音乐学院的演讲，本刊发表时有删节。
